ART TATUM

Arthur Tatum Jr. (Toledo, 13 de octubre de 1909 – Los Ángeles, 5 de noviembre de 1956), conocido como Art Tatum, fue un pianista estadounidense de jazz.
Considerado como uno de los más importantes músicos de la historia del jazz,^[1] es especialmente reconocido por su virtuosismo en el piano y sus creativas improvisaciones
Tatum nació en Toledo, Ohio. Desde su nacimiento sufrió de cataratas, que le dejaron ciego de un ojo, con una visión muy limitada en el otro. Pianista desde su juventud, tocó profesionalmente en Ohio, y especialmente en el área de Cleveland antes de trasladarse a Nueva York en el año 1932.
Aprendió a tocar copiando grabaciones que tenía su madre, tocando de oído a la edad de tres años. A los 6 años era capaz de tocar canciones que habían sido interpretadas originalmente como dúos, sin saber que tenían que ser tocadas por dos intérpretes, lo que hizo que desarrollara una increíble velocidad manual, sin perder nada de precisión.
Tatum se inspiró en sus contemporáneos James P. Johnson y Fats Waller, que eran abanderados del estilo pianístico conocido como stride. A partir de esta base, Tatum dio un salto cuantitativo en términos de técnica y teoría, y acuñó un nuevo estilo que influiría enormemente a pianistas posteriores, como Thelonious Monk, Oscar Peterson y Chick Corea.
A diferencia de la mayoría de músicos de jazz, Tatum raramente abandonó las líneas melódicas originales de las canciones que tocaba, y prefería rearmonizarlas de forma innovadora, cambiando las progresiones de acordes asociadas a las melodías. Los conceptos armónicos de Tatum estaban por delante de su tiempo en los años treinta y serían explorados por los músicos de la era bebop veinte años más tarde. Tenía también inclinación por rellenar los espacios interiores de las melodías con notas de adorno, lo que algunos críticos consideraban gratuito y "no jazzístico". Visto con imparcialidad, las notas y frases de estos adornos constituían declaraciones musicales genuinas y apreciables tanto por el público de jazz como por la audiencia clásica. Los admiradores de Tatum consideran que esta pirotecnia es un componente vital de su música.
Tatum tenía tendencia a realizar grabaciones sin acompañamiento, en parte porque relativamente pocos músicos podían seguir su rápido 'tempo' y su avanzado vocabulario armónico. A principios de los años cuarenta formó un trío con el bajista Slam Stewart y el guitarrista Tiny Grimes. Durante el corto período que tocaron juntos, grabaron varios discos de 78 rpm, que muestran la maravillosa interacción que había entre los músicos, y son únicos hasta la fecha.
Sin embargo, el mayor legado de Tatum son sus grabaciones para piano solo. Con un repertorio compuesto principalmente por el Great American Songbook, Tatum mostraba una fluida brillantez técnica y una prodigiosa memoria para crear una biblioteca de obras maestras para piano. La habilidad de Tatum para imaginar y ejecutar ideas complejas e ingeniosas a toda velocidad no tiene parangón en la música grabada. Escuchar a Tatum puede ser una tarea tan emocionante como exigente debido al profundo impacto de sus ideas, sus desvíos armónicos y su extravagante ornamentación.
A diferencia de los grandes del jazz Louis Armstrong, Miles Davis o John Coltrane, cada uno de los cuales dio origen a una legión de devotos emuladores, no nació ninguna escuela de clones de Tatum, quizás a causa de la dificultad de copiar su forma de tocar. Como resultado, aunque ha sido una gran influencia en el mundo del jazz, Tatum es prácticamente desconocido para el público actual.
No obstante, los contemporáneos de Tatum reconocieron su valor. Cuando él entró en un club donde Fats Waller estaba tocando, Waller se apartó del piano para hacer sitio a Tatum, anunciando "Yo sólo toco el piano, pero esta noche Dios está aquí". Además, el compositor ruso Sergei Rachmaninoff, tras oír tocar a Tatum, declaró que era el más grande intérprete de piano de cualquier estilo. Otras celebridades de su tiempo, como Vladimir Horowitz, Arthur Rubinstein y George Gershwin se maravillaron con el genio de Tatum. Y el legendario saxofonista Charlie Parker, que ayudó a definir el bebop, fue muy influenciado por Tatum. Recién llegado a Nueva York, Parker trabajó brevemente fregando platos en un restaurante de Manhattan donde Tatum estaba actuando, y escuchó a menudo al legendario pianista. Desafortunadamente, las dos figuras nunca tocaron juntas.
Tatum grabó comercialmente desde 1932 hasta poco antes de su fallecimiento, aunque su naturaleza principalmente solista hacía que las oportunidades de grabar fueran algo intermitentes. Tatum grabó para Decca (1934-41), Capitol (1949, 1952) y para los sellos asociados con Norman Granz (1953-56). Para Granz, Tatum grabó una extensa serie de álbumes como solista, y también grabaciones de grupos con Ben Webster, Buddy DeFranco, Benny Carter y Lionel Hampton, entre otros.
Aunque Tatum evitaba clasificarse como pianista clásico, adaptó varias obras clásicas son nuevos arreglos que exhibían su propio estilo musical.
Actualmente existe muy pocas filmaciones que muestren a Art Taum tocando, ya que la gran mayoría se ha perdido (por ejemplo, varios minutos grabados profesionalmente pueden verse en el vídeo documental 'Martin Scorsese Presents the Blues'). Tatum apareció en el programa Tonight Show de Steve Allen a principios de los años 50, y en otros espectáculos televisivos de esa época. Desgraciadamente, todos los cinescopios de los espectáculos de Allen, que estaban guardados en un almacén junto con otros espectáculos, fueron tirados a la basura para hacer sitio para nuevos estudios. No obstante, las bandas sonoras fueron grabadas externamente por entusiastas de Tatum de la época, y muchas están incluidas en la extensa serie de grabaciones raras de Tatum de Storyville Records. Apareció también en un fragmento de la película "Fabulous Dorseys" (1947), en una breve jam session junto a otros músicos.
Las películas que han sobrevivido muestran a un pianista que actuaba con un lenguaje corporal callado y relajada confianza, mientras sus manos se movían expertamente arriba y abajo del teclado.
Art Tatum murió en Los Ángeles, California de una uremia debida a insuficiencia renal, posiblemente debida al alcohol (Tatum había sido un gran bebedor de cerveza desde sus años de adolescencia). Está enterrado en el Forest Lawn Memorial Park Cemetery en Glendale, California.
Tatum recibió póstumamente el Grammy Lifetime Achievement Award el año 1989

RAUL DI BLASIO

Siendo un chico de seis años se mostró de repente interesado en tocar piano, al grado de cuando sus padres le preguntaron si él quería estudiar música, él no dudó en responder afirmativamente.
Durante un lapso de cuatro años empezó a practicar en los pianos de sus maestros, reconociendo lo difícil que era conseguir un piano decente. Mientras experimentaba y tocaba con los diferentes sonidos en el piano, Raúl silbaba con su padre, lo que le estimulaba a tocar nuevas melodías en el piano.
Ese fue el comienzo del famoso pianista Raúl di Blasio, que aunque él afirma que ha sido formado con la técnica clásica, le gusta de igual manera tocar música popular. Di Blasio admite que a la edad de diecisiete formó parte del movimiento de rock que surgía del fenómeno de Los Beatles, pero sus padres le instaron a ir a la Universidad y hacer una verdadera carrera en su vida.
Pero su siguiente escalón fue salir de su pueblo natal y trasladarse a Buenos Aires, donde a la edad de veinte empezó a practicar el piano por doce horas diarias, a lo que él comenta “Sentía las alas en mis dedos”.
Él se considera a sí mismo una persona que constantemente necesita de cambios en su vida. A la edad de 27, sabiendo que algo pasaba con su personalidad –ahora con más energía e hiperactividad-, decidió mudarse a Chile, en donde decidió tocar piano con música clásica, tradicional y rock. Para aquel entonces ya componía sus propias melodías y trabajaba como pianista en un bar y aunque confesara que lo hacía para sobrevivir, estaba feliz con lo que hacía.
Dos años después alguien le sugirió producir un disco, el cual él logró realizar con sus propios recursos. Sin embargo, esta primera producción no tuvo el éxito esperado. Afortunadamente para Di Blasio, un productor de la casa discográfica BCS-S en Chile le sugirió un segundo álbum, en el cual, aparte de música tradicional y clásica, se incluyó música latinoamericana.
En 1984, Raúl di Blasio tomó la decisión de hacer del piano su compañera de vida.
Conocido como "El piano de América" desde 1988, apelativo surgido tras la entrevista realizada por la periodista Mayra Vargas para Prensa Libre de Guatemala de acuerdo a declaraciones del artista a dicho diario y que él usaría como título para un disco dos años después.
En 2001, El Consorcio le acompañó en cinco temas del material titulado Di Blasio–Gardel.
Discografía

1. Alrededor del Mundo (1983) EMI Music.
2. Canta Piano (1985) Sony Music
3. Sur De América (1991) Sony Music Ariola
4. Barroco (1991)
5. En tiempo de amor (1993)
6. Piano de América (1993)
7. Piano de América Vol. 2 (1994)
8. Latino (1995)
9. Personalidad (1996)
10. Solo (1997)
11. Desde México: El piano De América (1998)
12. Christmas (1999)
13. De Mis Manos (2000)
14. Brasileirinho (2001)
15. Di Blasio - Gardel Tangos (2002)
16. Clave de amor (2003)
17. Los Esenciales (2003)
18. Primavera (2008

JOSEF CASIMIR HOFMANN

Podgórze, 1876 - Los Ángeles, 1957) Pianista polaco, nacionalizado estadounidense en 1926, que en ocasiones utilizó el seudónimo de Michel Dvorsky. Su padre, Kazimierz, era director de orquesta del Teatro de Cracovia y su madre, Matylda, cantante de ópera. A muy temprana edad, Josef Casimir comenzó sus primeras lecciones de música de la mano de su padre.

A los siete años ya realizaba giras como pianista por Europa y fue considerado un niño prodigio. En 1887 debutó con gran éxito de público en el Metropolitan de Nueva York, y pronto decidió trasladarse a Alemania para continuar con sus estudios. En 1892 comenzó a estudiar piano con Anton Rubinstein, quien influyó poderosamente en su concepción de la música.

Su reaparición en público tuvo lugar en 1894 en la ciudad alemana de Dresde. Dio exitosos recitales a lo largo de Europa Central, Sudamérica y los Estados Unidos. Su labor pedagógica la desarrolló entre 1926 y 1938 como director del Curtis Institute of Music de Philadelphia, prestigiosa institución musical donde se formaron artistas de renombre. A partir de la década de los años cuarenta decidió reducir paulatinamente sus compromisos musicales hasta su retirada en 1946.

Fue uno de los más grandes pianistas de la escuela romántica. Poseía una extensión de matices muy amplia y era capaz de dotar a las piezas de un intenso contenido emocional. En 1887 se convirtió en el primer músico profesional en realizar una grabación. Hoffman compuso más de un centenar de obras bajo el seudónimo de Michel Dvorsky. Entre su producción se cuentan conciertos para piano, sonatas y una sinfonía. También escribió piezas breves para piano y dos libros sobre técnica pianística titulados Piano Playing (Nueva York, 1908) y Piano Questions Answered (Nueva York, 1909).

TAMARA CASTAÑEDA

Tamara Castañeda, quien nació en La Habana el 8 de junio de 1980, constituye hoy una de las jóvenes figuras cubanas que más promete al Latin Jazz.

Es graduada de la Escuela Elemental de Música Manuel Saumell y egresada luego del Conservatorio Amadeo Roldán donde concluye el nivel medio superior en las especialidades de Percusión y Piano, con total dominio en la ejecución de casi todos los instrumentos de percusión sinfónica, incluidos las congas, percusión menor cubana, xilófono, marimba, lira y teclados.

Inicia entonces un camino de investigación y estudios de modo autodidacto, que la llevaría a convertirse en la vibrafonista que es hoy.

Emprende su carrera en 1990 ofreciendo conciertos como pianista en lugares como el Museo Napoleónico, la sala "Argelier León" de la Agrupación Nacional de Conciertos, y en la Unión de Periodistas de Cuba, UPEC. Desde ese momento y hasta 1995 participa cada año en el Festival Nacional de, PERCUBA evento dirigido por el maestro Lino Neira, profesor del Instituto Superior de Arte.

En 1994 se presenta al Concurso de Música Amadeo Roldán, transita hasta el nivel nacional y suma a su aval un Primer Lugar, dos Segundos Lugares y un Premio Especial por la autoría de su tema "A mi manera", cual fue propuesto posteriormente para integrar el programa nacional de enseñanza artística en la especialidad de percusión.

También en este año se alza con una mención especial en el Primer Concurso de Habaneras por la composición de la obra "Tras silencio..." y en simultánea integra la agrupación "Latin Jazz", donde logra impactar por su ejecución frente a las tumbadoras.

En 1996 integra la Orquesta Sinfónica Juvenil con la que realiza numerosos conciertos y grabaciones por espacio de dos años bajo la dirección del maestro Guido López Gavilán.

El año de 1997 marca su debut en los Festivales Jazz Plaza, en esta ocasión acompañando en la percusión cubana al pianista y compositor estadounidense Bob Chilson, y a su coterráneo, el trompetista Roy Hargrove.

A principios de 1998, Tamara integra la agrupación femenina "Ellas son" ejercitándose en un amplio repertorio de música cubana, internacional e instrumental; y en abril reaparece en el festival Nacional de Percusión PERCUBA 98.

Ya en diciembre de ese año crea la agrupación "TCI trío" donde debuta en el vibráfono, he inicia así el camino que la llevaría a convertirse en una de las virtuosas del instrumento.

Luego de numerosos conciertos en escenarios de la capital, ahora en su nueva condición de vibrafonista, arriba al año 2000 participando en dos importantes eventos: la entrega de los Premios Caricato durante el Festival Internacional de Cine Latinoamericano y el regreso al Festival Internacional Jazz Plaza.

En junio del 2001 pasa a formar parte del catálogo profesional del Centro Nacional de Música de Concierto, y en diciembre del mismo, se presenta al concurso nacional de jóvenes jazzístas "JOJAZZ 2001" alzándose con el Gran Prix del evento por decisión de un prestigioso jurado presidido por el maestro Chucho Valdés.

Ante sí surge un nuevo sendero de reconocimientos y oportunidades que la destaca como la primera vibrafonista mujer en la historia del jazz cubano.

Enero del 2002 subraya su madurez artística y le permite compartir escena con grandes de la talla de Chucho Valdés, Julio Barreto, Carlos Emilio, Jorge Reyes, Jorge Luis Chicoy y el estadounidense Steve Coleman, una de las prestigiosas figuras del jazz internacional.

Tres meses más tarde, se adueña del club "La Zorra y el Cuervo" al comenzar a incursionar en el jazz tradicional junto a la agrupación "Jazz Generation".

Este mismo año también se produce su primera experiencia en el exterior, al ser invitada al Festival Jazz Plaza de Isla St. Marteen junto a Chucho Valdés y su cuarteto, Chicoy, Ernán López Nussa, Tata Güines, Mayra Caridad Valdés, Changuito, Puppy, entre otros.

A su regreso inaugura junto a Chucho Valdés el Festival Internacional Jazz Plaza 2002, ejecutando junto a este el estreno de su obra "Chorihno".

Tal acontecimiento fue calificado por la crítica como lo más sorprendente de la jornada inaugural, pese al altísimo nivel de las figuras invitadas y del público, entre los que se encontraban los Premios Nobel de Literatura Nadine Gordimer (Sudáfrica) y Gabriel García Márquez (Colombia); además de los actores norteamericanos Harry Belafonte y Danny Glover.

Tamara Castañeda ha laborado como músico invitada de Omara Portuondo, denominada la Diva del Buena Vista Social Club, y participa regularmente en Jazz Sessions con músicos cubanos.

Es miembro de la Asociación Hermanos Saíz y de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba, UNEAC.

Ha sido profesora de los Conservatorios Guillermo Tomás y Manuel Saumell y actualmente trabaja en su primera placa discográfica bajo la producción del Maestro Chucho Valdés

Trabaja  además en la elaboración de un método sobre las posibilidades de utilización del vibráfono en la música popular cubana.

VAN CLIBURN

Van Cliburn (nacido Harvey Lavan Cliburn Jr., 12 de julio de 1934) es un pianista norteamericano que consiguió reconocimiento internacional en 1958, a los 23 años, cuando ganó el primer Concurso Internacional Chaikovski en Moscú, en plena Guerra Fría.
Cliburn nació en Shreveport (Louisiana), y empezó a recibir clases de piano a los tres años con su madre, Rildia Bee O'Bryan, que había sido alumna de Arthur Friedheim, alumno de Franz Liszt. Cuando él tenía seis años, la familia se mudó a Kilgore (Texas), y a los doce ganó un concurso de piano a nivel nacional que le permitió debutar con la Orquesta Sinfónica de Houston. Entro en la Juilliard School a los 17 años, y estudió con Rosina Lhévinne, que le enseñó en la tradición romántica rusa. A los 20, Cliburn ganó el Leventritt Award, y debutó en el Carnegie Hall.
El Concurso Internacional Chaikovski de 1958 fue un evento diseñado para demostrar la superioridad cultural soviética durante la Guerra Fría, poco después de su victoria tecnológica con el lanzamiento del Sputnik en octubre de 1957. El virtuosismo luminoso de Cliburn en la interpretación del Concierto para piano nº 1 de Chaikovski y del Concierto para piano nº 3 de Rachmaninov le hicieron ganar una ovación con el público en pie durante ocho minutos. El jurado soviético tuvo que pedir permiso a Nikita Jrushchov para conceder el primer premio a un estadounidense. "¿Es el mejor?" preguntó. "¡Entonces denle el premio!" La revista Time le dio una portada, proclamándolo "El tejano que conquistó Rusia". RCA Victor firmó con él un contrato exclusivo, y su grabación del Concierto para piano nº 1 de Chaikovski se convirtió en el primer álbum de música clásica que vendió millones de copias. Fue el álbum de música clásica mejor vendido durante más de una década. Cliburn ganó el Grammy en 1958 por la mejor interpretación solista con orquesta.
Otras grabaciones de Cliburn incluyen en Concierto para piano de Edvard Grieg, el Concierto para piano nº 2 de Rachmaninoff, el Concierto para piano nº 4 y el Concierto para piano nº 5 de Beethoven, y el Concierto para piano nº 3 de Prokofiev.
En 1962 Cliburn se convirtió en el consejero artístico del Concurso Internacional de Piano Van Cliburn. El concurso fue fundado por un grupo de profesores y voluntarios de Fort Worth (Texas), y su prestigio hoy en día rivaliza con el del Concurso Chaikovski.
Cliburn actuó y grabó en los años 70, pero en 1978, tras las muertes de su padre y de su manager, se retiró de la vida pública. En 1987 fue invitado a tocar en la Casa Blanca para el presidente Ronald Reagan y el secretario general de la Unión Soviética Mijaíl Gorbachov, y después fue invitado a inaugurar la temporada número cien del Carnegie Hall.
A los 70 años todavía da un número limitado de recitales al año. Ha tocado para todos los presidentes de Estados Unidos desde Harry Truman. Cliburn reside hoy en Fort Worth, Texas suburbio de Westover Hills.

SVIATOSLAV RICHTER

Sviatoslav Teofílovich Ríjter (en ruso: Святосла́в Теофи́лович Ри́хтер) (20 de marzo de 1915 – 1 de agosto de 1997) fue un pianista soviético, reconocido como uno de los grandes pianistas del siglo XX, célebre por la profundidad de sus interpretaciones, su técnica virtuosística y su amplio repertorio
Richter nació en Zhytomyr, Ucrania, de padre expatriado alemán y madre rusa.Creció en Odessa. Fue autodidacto, algo poco habitual en estos casos, aunque su padre -pianista y organista- y uno de los alumnos de su padre -un arpista checo- le dieron una educación musical básica. Richter era un excelente lector a primera vista, y practicaba regularmente con las compañías locales de ópera y ballet. Empezó a trabajar en la Ópera de Odessa como pianista acompañante en los ensayos.

 INICIOS

El 10 de marzo de 1934 dio su primer recital en el club de ingenieros de Odessa, pero no empezó a estudiar formalmente piano hasta tres años después, cuando decidió buscar a Heinrich Neuhaus, famoso pianista y profesor en el Conservatorio de Moscú. Durante la audición, Neuhaus le susurró a otro estudiante: "Este hombre es un genio". Aunque Neuhaus dio clase a muchos grandes pianistas, entre ellos Emil Gilels y Radu Lupu, se dice que consideraba a Richter su "alumno genial, al que había estado esperando toda la vida", a la vez que admitía que no había podido enseñarle "nada".
En sus comienzos, Richter también hizo sus pinitos en la composición, e incluso parece que tocó algunas de sus composiciones en la audición de Neuhaus. Sin embargo, abandonó la composición poco después de mudarse a Moscú. Años después, explicó esta decisión: "Quizás la mejor manera de explicarlo es que no tiene sentido traer más mala música al mundo".
En 1940, todavía estudiante, estrenó la Sonata para piano no. 6 de Sergéi Prokófiev, compositor a cuyas obras quedaría asociado para siempre. Se hizo famoso por saltarse las clases obligatorias de adoctrinamiento político en el conservatorio y por ser expulsado dos veces en su primer año. Siempre fue un extraño a la política de la Unión Soviética, y nunca se unió al Partido Comunista.

 Tras el telón de acero

Richter era abiertamente gay, en la medida en que era posible a principios y mediados del siglo XX en la Unión Soviética. Su homosexualidad no era desconocida para aquellos que le conocían bien. Este hecho contribuyó especialmente a que fuera algo reservado y retraído.
Richter conoció a la soprano Nina Dorliak en 1945. Poco después la acompañó en un programa que incluía canciones de Nikolai Rimsky-Korsakov y Prokofiev. "Éste fue el primer encuentro de una asociación que duraría el resto de sus vidas. Richter y Dorliak nunca se casaron oficialmente, pero eran compañeros inseparables. Ella era el contrapunto a su naturaleza impulsiva. Le daba cuerda a su reloj, le recordaba sus citas y organizaba sus compromisos profesionales".
En 1949 ganó el Premio Stalin, lo cual le llevó a dar varias giras de conciertos en Rusia, Europa del Este y China. Richter dio sus primeros conciertos fuera de la Unión Soviética en Checoslovaquia en 1959.
En 1952, Richter fue invitado a interpretar el papel de Franz Liszt en la versión rusa de la película Glinka de 1946, sobre la vida del compositor Mijaíl Glinka, llamada Kompozitor Glinka (en ruso: Композитор Глинка). El papel principal fue interpretado por Borís Smirnov.
En 1960 desafió a las autoridades al tocar en el funeral de Boris Pasternak.

 En Occidente

Richter se dio a conocer en Occidente gracias a grabaciones de los años 50. Uno de sus primeros defensores fue Emil Gilels, quien durante su primera gira estadounidense, en la que recibió magníficas críticas, dijo: "Esperen a escuchar a Richter".
Richter dio sus primeros conciertos en Europa Occidental en mayo de 1960, cuando se le permitió tocar en Finlandia. Ese mismo año le fue permitido tocar en Estados Unidos. Su debut tuvo lugar el 15 de octubre de 1960 en Chicago, donde tocó el Concierto para piano nº 2 de Johannes Brahms, acompañado de la Orquesta Sinfónica de Chicago y Erich Leinsdorf, y consiguió muy buenas críticas. La gira de 1960 culminó con una serie de conciertos en el Carnegie Hall.
Sin embargo, Richter afirmó que no le gustaba tocar en Estados Unidos. A causa de un incidente en 1970 en el Alice Tully Hall de Nueva York, cuando un grupo de manifestantes antisoviéticos irrumpió en un concierto de Richter y David Oistrakh, Richter juró que no volvería.
En 1961 tocó por primera vez en Londres. Su primer recital, con obras de Haydn y Prokofiev fue recibido con hostilidad por los críticos británicos. Concretamente, Neville Cardus dijo que su estilo era "provinciano", y se preguntaba por qué había sido invitado a Londres, si tenía la ciudad tantos pianistas de "segunda clase" propios. Tras el concierto del 18 de julio de 1961, donde interpretó los dos conciertos para piano de Franz Liszt, los críticos cambiaron de parecer.

 Últimos años

Aunque disfrutaba al dar conciertos en público, Richter odiaba planear las temporadas de conciertos, y en sus últimos años solía tocar en conciertos anunciados con poca antelación, en salas pequeñas y oscuras, tan sólo con una lámpara para iluminar la partitura. Richter afirmaba que de esta manera el público podía concentrarse en la música, en vez de en sucesos irrelevantes como los gestos y muecas del intérprete.
En 1986, Richter se embarcó en una gira de seis meses por Siberia, y dio unos 150 recitales; a veces tocaba en pueblos pequeños, donde ni siquiera había una sala de conciertos. Se dice que, en sus últimos años, Richter contempló la posibilidad de dar conciertos gratis.
Al final de los años 80, la técnica de Richter decayó parcialmente debido a su edad y a problemas de corazón. Este proceso de envejecimiento continuó en los 90, y le causó gran frustración. Sin embargo, en 1995 seguía tocando las piezas más difíciles del repertorio pianístico, incluyendo el ciclo Miroirs de Maurice Ravel, la Sonata para piano no. 2 de Sergéi Prokófiev, y los estudios y Balada no. 4 de Frédéric Chopin.
Su última interpretación grabada fue un concierto de 1994 con la Orquesta Sinfónica Shinsei de Japón y su amigo Rudolf Barshai como director, en el que tocó tres conciertos de Mozart.
El último recital tuvo lugar en una reunión privada en Lübeck, Alemania, el 30 de marzo de 1995. El programa incluyó dos sonatas de Haydn y las Variaciones y fuga sobre un tema de Beethoven, de Max Regger, pieza para dos pianos que interpretó con el pianista Andreas Lucewicz.
Richter murió en su casa a las afueras de Moscú, de un ataque al corazón. Había atravesado un largo periodo de depresión debido a su incapacidad para actuar en público. En el momento de su muerte, Richter estaba aprendiendo los Fünf Klavierstucke, D. 459, de Schubert.
 Repertorio
En palabras del propio Richter, "mi repertorio da para unos ochenta programas diferentes, sin contar la música de cámara". Efectivamente, el repertorio de Richter se extendía desde Handel y Bach hasta Karol Szymanowski, Alban Berg, Anton Webern, Igor Stravinsky, Béla Bartók, Paul Hindemith, Benjamin Britten, y George Gershwin, aunque con importantes omisiones como las Variaciones Goldberg, de Bach; la Sonata para piano nº 21 Waldstein, la Claro de Luna, el Concierto para piano nº 4 y el Concierto para piano nº 5 de Beethoven, la Sonata en la mayor D. 959 de Schubert, el Concierto para piano nº 3 de Prokofiev y el Concierto para piano nº 3 de Rachmaninov.
Richter trabajaba incansablemente para aprender nuevas obras. Por ejemplo, a finales de los 80 aprendió las variaciones sobre Paganini y Handel de Brahms, y en los 90, los estudios de Debussy, los conciertos para piano de Saint-Saëns, Gershwin, Mozart, así como sonatas de Bach y Mozart que no había incluido previamente en sus programas. De hecho, Richter estaba aprendiendo música cuando murió.
En su repertorio eran obras fundamentales las de Franz Schubert, Robert Schumann, Beethoven, J.S. Bach, Chopin, Liszt, Prokofiev, Claude Debussy y otros muchos.Se dice que aprendió de memoria el segundo libro de El clave bien temperado de Bach en un mes.
Estrenó la Sonata nº 7 de Prokofiev, que estudió en cuatro días, y la nº 9, que Prokofiev le dedicó. Además de su carrera como solista, dio también conciertos de música de cámara con compañeros como Mstislav Rostropóvich, Rudolf Barshai, David Oistrakh, Oleg Kagan, Yuri Bashmet, Natalia Gutman, Zoltan Kocsis, Elisabeth Leonskaya, Benjamin Britten y los miembros del Cuarteto Borodin. Richter también acompañó a menudo a cantantes como Dietrich Fischer-Dieskau, Peter Schreier, Galina Pisarenko y, por supuesto, su compañera Nina Dorliak.
^] Premios y reconocimientos

• Premio Musical Léonie Sonning (1986; Dinamarca)
• Doctor de Música honoris causa por la Universidad de Oxford

JOSE DOMENECH PART

José Doménech Part, compositor, musicólogo y pianista valenciano. Biógrafo de José Iturbi,^[1] Amparo Iturbi y Lucrezia Bori.
Cursó estudios musicales en Valencia (Consuelo Lapiedra, José Roca y Vicente Asencio), Madrid y París con Monique Deschaussés, y asistió a cursos de especialización en Santiago de Compostela, Granada, Salzburgo y Esztergom. Fue crítico musical para el diario Levante-EMV y colaborador de "Dos y dos", "Monsalvat", "Ritmo", "Sao", etc.
Director del Instituto Valenciano de Musicología (1980-1986)Es especialista en Vicente Martín y Soler, del que rescató y editó por primera vez en tiempos moderno sus Six Italian Canzonetts publicadas por la Diputación de Valencia en febrero de 1982. (Editorial Piles,Valencia)
En noviembre de 1979 realizó la última entrevista el maestro valenciano José ITURBi en su casa de Beverly Hills, California.
En 1981 con el patrocinio de la Diputación de Valencia y fundó el Concurso Internacional de Piano "José Iturbi" personalmente autorizado por el propio músico valenciano, del cual fue responsable y director durante las primeras 5 ediciones. Fue creador de las Serenatas Musicales de Valencia y Jornadas Musicales de Villafamés en 1982, Asesor Musical de la Consejería de Cultura de la Generalidad Valenciana entre 1983 y 1988, Jefe de Producción Ajena y director de Relaciones Internacionales de Radiotelevisión Valenciana entre 1988 y 1995 y director de la ATEI-Televisión Educativa Iberoamericana en 1998.
Como compositor destaca su ballet "Yerma" escrito para el Grupo Vagánovos, dirigido por Olga Poliakof y estrenado en el teatro Principal de Valencia en 1980; obras para piano como "Gilalbertiana", "O Magnun Ministerium"; canciones para voz y piano sobre textos de Juan Gil-Albert y "Ave María" para coro mixto.